Le cinéma d’aujourd’hui a vu son vocabulaire s’enrichir depuis une quinzaine d’années. Il ne se passe pas une semaine sans que les médias du monde entier parlent de remake, reboot, préquelle ou séquelle.

Des projets farfelus, des adaptations sans saveur, des annonces pour le moins douteuses polluent notre plaisir basique de cinéphile. Les plus intransigeants d’entre nous estiment qu’une partie d’une 7^ème art semble courir à sa perte.

Notre patrimoine, notre histoire personnelle d’amoureux du cinéma est pavé de classiques, de références incontournables qui traversent allégrement les décennies sans subir les affres du temps et la volonté clairement affichée de producteurs en mal d’inspiration de vouloir coûte que coûte moderniser ces icônes que nous citons sans cesse dans nos conversations.

"Alien" de Ridley Scott fait partie de ces incontournables de ce patrimoine cinématographique. Un long métrage fondateur sans cesse copié mais jamais égalé selon la formulé consacrée.

Nous avons tous en mémoire des images fortes (le xénormorphe accroché au visage de Kane-John Hurt, le sang giclant sur le corps de Lambert-Veronica Cartwright), l’impression d’étouffement progressif provoqué par l’exiguïté du "Nostromo", la vision de la créature imaginée par Giger, la musique de Jerry Goldsmith et surtout la maestria de la mise en scène.

Petite aparté : le blu-ray rend vraiment grâce au film de 1979. La restauration technologique permet de redécouvrir bien des aspects de l’œuvre.

L’annonce, voilà bientôt 18 mois, de la mise en chantier d’un projet "s’inspirant" de son illustre devancier en a déconcerté plus d’un, moi le premier.

Et si Ridley Scott avait cédé comme bien aux grands argentiers du cinéma ?

Il n’est jamais bon de laisser s’emballer la machine. Nous avons eu le droit à une impressionnante collection de rumeurs, démentis, nouvelles alarmantes etc... j’en passe et des meilleurs.

Il est certain aussi que Ridley Scott lui-même a volontairement brouillé les pistes puisqu’à l’origine il n’était même pas certain qu'il soit aux commandes de ce projet insensé.

En réalité il ne faut pas grand-chose pour que la magie opère : une première photo, une affiche à l’esthétique minimaliste mais très efficace et surtout une première bande annonce coup de poing ont suffit à calmer l’ardeur des plus vindicatifs.

"Prometheus" était né.

Il ne manquait plus qu’une sortie cinéma. Car après tout, tous les discours du monde, les idées émises au préalable dans les rédactions ou dans les salons ne remplaceront JAMAIS l’intimité d’une salle obscure quand le spectateur est confronté directement à l’objet de son désir.

En une semaine j’ai vu deux fois "Prometheus" (VO-2D et VF-IMAX 3D) et je dois reconnaître que le long métrage de Ridley Scott est, veuillez m’excuser pour mon langage trivial, un "putain de film".

Un véritable coup de génie. Ridley Scott marque le terrain une nouvelle fois avec un film ambitieux et racé.

J’aurai du commencer mon article par une déclaration en forme d’évidence mais ami spectateur si tu vas au cinéma pour voir du "Alien" réchauffé à la mode du 21^ème siècle, alors passe ton chemin et ne dépense pas ton argent inutilement.

Même si la filiation intellectuelle, culturelle et filmographique est évidente, intime même, "Prometheus" est bien autre chose.

Personne ne niera le fait que nous évoluons dans un univers familier. La réussite initiale de Ridley Scott est d’ouvrir la perspective dès les premiers instants du long métrage.

Au centre de l’œuvre est enracinée la problématique sur l’origine de la vie et du monde terrestre tel que nous le connaissons. Le voyage inter galactique qu’entreprennent les héros du long métrage prend l’apparence d’une quête quasi biblique sur la genèse de l’homme. L’hypothèse d’une création extra-terrestre décidée par des "Architectes" s’impose à nous avec force et beauté.

Cependant tout n’est qu’une histoire d’interprétation personnelle car la qualité de "Prometheus" est de provoquer la réflexion qui engendre elle-même l’élaboration de théories diverses et variées. La toile n’a pas fini de s’enflammer avec ces dernières.

L’immersion est totale. Le film est passionnant, osé, grandiose à de nombreuses reprises.

Les scénaristes, dont Damon Lindelof, ont su créer un ensemble cohérent et intelligent. A aucun moment la trame narrative ne cède aux sirènes de la facilité et de la gratuité.

Les événements se déroulant sur LV-223 (planète d’origine du xénomorphe dans "Alien") nous interpellaient forcément mais l’habilité du metteur en scène est de ne pas se livrer à un jeu de questions-réponses pendant deux heures. Vouloir tout expliquer aurait été suicidaire.

Ridley Scott a su osciller avec succès entre filiation et mise à distance. Son "Prometheus" gravite dans la galaxie de son prédécesseur mais conserve son indépendance, sa fraîcheur et surtout sa liberté de ton.

N’oublions pas tout de même que "Prometheus" est aussi un formidable long métrage de science-fiction. Tous les codes en vigueur sont respectés. Les univers graphiques sont d’une esthétique à couper le souffle. Les décors intérieurs ont un design qui impressionne par la pureté et la justesse des lignes. On apprécie énormément le mariage réussi entre des tonalités que tout pourrait opposer.

Les paysages (dont ceux issus du tournage en Islande) émerveillent par leur côté "extra-terrestre". La profondeur de champ est saisissante et la rudesse du climat nous explose au visage.

Plutôt que de miser sur la débauche de lieux et d’événements, Ridley Scott a préféré la cohérence d’un monde centré autour d’un étrange site archéologique qui recèle bien des secrets.

Je dis souvent qu’un long métrage est une histoire de rythme. Ridley Scott, comme souvent par le passé, a su alterner les moments intenses, intrépides, déroutants et les situations où le temps semble suspendre son vol.

Au fil des minutes la tension s’installe et surtout le doute s’insinue dans nos esprits. Le rôle de l’androïde David (l’incontournable Michael Fassbender) est plus que central. Le travail d’Elisabeth Shaw (Noomi Rapace), être à la fois empreint de rationalité scientifique et d’une certaine mystique religieuse, cimente l’ensemble. Leurs relations, interactions, échanges sont les pivots du film.

C’est l’un des canons de la galaxie Scottienne, à l’image des duos Ripley (Sigourney Weaver)-Ash(Ian Holm)dans "Alien" mais surtout Rick Deckard (Harrison Ford)-Roy Batty (Rutger Hauer) dans "Blade Runner". Le David de "Prometheus" ressemble plus, à bien des égards à un réplicant.

"Prometheus" nous tient en haleine jusqu’au bout. On ne s’y ennuie pas une seule seconde. Nous avons le droit à notre lot de poussées d’adrénaline. Nous tressautons ici ou là quand apparaissent certaines créatures.  

Même si l’écueil principal était de transformer le film en une compilation didactique, je suis sorti de la salle, comme bien d’autres, un rien frustré. Si le film apporte certaines réponses (et je n’en dirai pas trop), le long métrage ne constitue qu’une première étape sur le chemin de la vérité, si vérité il y a un jour.

Je ne m’en lasse pas mais plastiquement le film est d’une beauté renversante. Les effets spéciaux sont ambitieux et maîtrisés avec une rare efficacité.

La musique de Marc Streitenfeld est réellement divine à écouter. 

Même si une film comporte une galerie de personnages intéressants, dont certains sont il est vrai relativement sacrifiés au propre comme au figuré, tels que Meredith Vickers (Charlize Theron), le capitaine Janek (Idris Elba) voire même Peter Weyland (Guy Pearce), l’homme par qui tout survient, il est indéniable que le film propulse sur le devant de la scène deux comédiens d’une très grande classe.

Michael Fassbender est devenu en moins de cinq ans un acteur de premier plan à l’aise dans beaucoup de registres. Dans "Prometheus", son détachement empreint d’un certain cynisme, son expression corporelle, son visage vide d'émotions semble-t-il font merveille.

Noomi Rapace est né du néant. Je profite pour présenter ici mes plus humbles excuses à Rooney Mara qui est une comédienne de grand talent, mais Noomi Rapace restera à mes yeux à jamais comme LA Lisbeth Salander. L’actrice suédoise transforme l’essai dans "Prometheus". Son large sourire illumine l’écran. Sa passion, sa soif d’apprendre sont communicatifs.

"Prometheus" comblera tous les publics. Le film est autonome mais s’insère aussi dans un vaste univers cohérent plastiquement et idéologiquement proche. Ridley Scott n’a pas recyclé de vieux matériaux mais a enfanté un film au scénario ambitieux et à l’aspect qui ravira les jeunes générations amoureuses du tout technologique.

L’œuvre s’appuie aussi sur la performance de comédiens parfaitement choisis et à l’aise dans ce monde-là.  

PS : L’IMAX 3D ne m’a pas apporté ce que j’espérais. Je suis un poil déçu.

L’espion est l’une des figures emblématiques du 7^ème art. La mythologie et le mystère qui entourent ce type de héros alimentent sans cesse l’imagination fertile des créateurs de tout poil. Et bien évidemment l’histoire politico-militaire de la seconde moitié du 20^ème siècle a largement contribué au développement de stéréotypes qui perdurent encore de nos jours.

Je suis comme bon nombre de cinéphiles, ces protagonistes énigmatiques, solitaires, intrépides me fascinent énormément.

Je suis bon public et j’adore m’immerger dans ces univers où tout n’est qu’apparences et illusions.

Je me suis précipité à la projection de "La taupe" mis en scène par Tomas Alfredson (auquel je vous une reconnaissance éternelle et universelle pour avoir réalisé "Morse") d’après un roman éponyme de John le Carré.

Avant d’entrer dans le vif du sujet deux précisions : j’aurais tellement aimé que le long métrage conserve son titre original "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" plutôt que le trop banal et trop générique "La Taupe".

Cher lecteur je préfère te mettre en garde pour ne pas que tu sois dupé sur la qualité du "produit" : "La Taupe" n’est pas une œuvre sévèrement "bourné" avec un rebondissement par seconde et une caméra qui tressaute sans arrêt, mais un film classique dans sa forme, au rythme très particulier où le dit et le non-dit tiennent une place si prépondérante.

Autre élément de taille que je vais évacuer tout de suite concerne la sempiternelle et épineuse question de l’adaptation du matériau brut. Je n’ai pas (encore ?) lu le roman de John Le Carré, j’ai donc les coudées franches pour donner mon avis et aucun point de repère. Et c’est tant mieux après tout.

Qu’importe l’angle d’attaque choisi mais le film en lui-même pose problème. Le long métrage de Tomas Alfredson divise déjà les cinéphiles sur le rendu final. Verre à moitié vide ? Verre à moitié plein ? Chaque camp défendra bec et ongles son interprétation.

Je ne vais pas bouder mon plaisir : j’ai aimé le film même si je suis resté quand même sur ma faim.

Le propos, la plongée au cœur du "Cirque" – surnom du MI6 en raison de sa localisation à Cambridge Circus m’a procuré des sensations que seul le cinéma peut occasionner.

Nous évoluons au beau milieu d’un monde où le secret, la trahison, la mort, les rancoeurs sont légions. L’amour et l’amitié sont de simples données accessoires et bien souvent elles aussi illusoires.

Le cadre est l’Angleterre des années 70 et la toile de fond politique et historique demeure la guerre froide entre le bloc occidentale et le bloc soviétique. George Smiley (Gary Oldman) doit traquer et débusquer une taupe russe infiltrée au plus haut niveau du Cirque.

Le spectateur est littéralement enthousiasmé par cette quête de vérité. Le but de George Smiley est simple : mettre à jour le traître sans éveiller les soupçons des cibles potentielles appartenant toutes à l’appareil décisionnaire du MI-6.

"La Taupe" est incontestablement une réussite formelle. La reconstitution de l’atmosphère des années 70 est phénoménale. Tomas Alfredson n’a visiblement pas lésiné sur ce plan là. Les pièces enfumées, les tapisseries hideuses aux motifs criards, les bâtiments marqués l'usure du temps donnent un cachet de véracité qui participe pleinement à ce phénomène d’indentification à une époque et à notre volonté de nous perdre dans un cadre qui n’est pas la notre. Une multitude de détails fourmille ici ou là. On y croit d’un bout à l’autre. Ce que l’on nomme parfois abusivement la magie du cinéma, opère pleinement ici.

"La Taupe" est un long métrage où la parole tient une place prépondérante et parallèlement les silences appuyés, les pauses dans le discours, les regards soutenus donnent du corps à l’ensemble.

Le propos est noble et séduisant mais très vite la question du rythme du long métrage pose problème. Aux nombreuses conversations, interrogatoires, mises au point succèdent d’autres conversations. "La Taupe" s’enlise dans une sorte de lenteur pénalisante. Certes je savais où je mettais les pieds mais à force de vouloir absolument tout démontrer par le verbe, au lieu de montrer tout simplement, le film perd de son pouvoir d’attraction.

La révélation de l’identité de la taupe, son destin et le final sans saveur particulière concluent l’œuvre sans que le grand frisson parcoure notre échine. Même dans sa conclusion le long métrage se révèle bien trop didactique.

Le spectateur est noyé sous une tonne d’informations, de précisions qui nécessiteraient certainement un temps d’analyse mais le long métrage avance tranquillement sans prendre la peine de se poser par moments. On a même l’impression parfois que l’œuvre s’adresse exclusivement aux amateurs de John Le Carré familiarisés au propos de l’auteur.

De plus j’ai choisi d’assister à la projection dans la langue de Shakespeare, ce qui représente certainement un handicap pour ce type de film où la concentration et l’attention doivent être indubitablement élevées.

Parler de film ennuyeux est à mon sens exagéré et malhonnête mais je pense que Tomas Alfredson n’a pas su ou voulu prendre de risques inconsidérés. Sa réalisation, soignée, léchée et bien ordonnée, manque de piquant par moments et joue trop la carte du classicisme et de la sécurité.

L’autre reproche majeur concerne le traitement des personnages.

Certes George Smiley devient au fil des minutes le protagoniste auquel nous nous identifions le mieux car le spectateur est placé dans la même position que l’enquêteur qui traque la taupe dans un ensemble où tout n’est que manipulation(s) : nous évoluons au beau milieu des faux semblants et l’ombre nous enveloppe, nous rassemblons des informations malgré tout, nous privilégions un suspect plutôt qu’un autre, puis la lumière se fait jour et la vérité éclate.

Smiley bénéficie d’une caractérisation qui rendrait jaloux d’autres cinéastes et son étude psychologique est de tout premier ordre tandis que les autres protagonistes sont quelque peu sacrifiés. Pendant deux heures que dure le film les Tinker, Tailor, Soldier, Spy demeurent des coquilles vides sans véritables développements ni épaisseur. Le travail de Tomas Alfreson manque de profondeur à ce niveau.

Et c’est bien dommage car "La Taupe" réunit un casting exceptionnel mélangeant les valeurs sûres (Gary Oldman, John Hurt, Colin Firth, Ciarán Hinds, Toby Jones), une étoile montante (Mark Strong) et deux talents très prometteurs (Benedict Cumberbatch et Tom Hardy). Il se dégage la très désagréable impression que malgré leur statut certains acteurs sont notablement sous employés.

Il y a comme des hésitations, des atermoiements coupables dans la gestion de tous ces egos. A force de vouloir empiler les premiers rôles masculins, "La Taupe" perd de son impact sur le public. Un protagoniste sort d’une pièce, oui et alors !!! Tandis qu’on aimerait s’attacher plus durablement.

Gary Oldman est excellent une fois de plus (un lieu commun à force), Mark Strong tire son épingle du jeu alors que spectateur est séduit par le duo Tom Hardy/ Benedict Cumberbatch.

"La Taupe" mérite quand même votre intérêt car il est de notoriété publique que les romans de John Le Carré appartiennent à la catégorie de livres de fiction dont la mécanique est très difficile à porter à l’écran.

Tomas Alfredson s’y est collé et son long métrage a de nombreuses qualités amoindries par quelques défauts pénalisant.

Le cinéma nous réserve parfois de drôles de surprises. La bande annonce de "Never Let Me Go" me laissait supposer que j’allais être plongé dans un drame amoureux on ne peut plus basique.

Je me suis fourvoyé dans les plus grandes largeurs.

Le long métrage de Mark Romanek, adaptation d’un roman à succès du japonais Kazuo Ishiguro, est bien plus que cela.

Ce qui frappe les spectateurs est avant tout la tonalité extrêmement pessimiste de l’ensemble. L’œuvre nous égratigne et le spectateur n’en sort pas indemne.

Le film possède une étonnante force intrinsèque, une puissance poétique troublante.

Le récit se déroule à plusieurs époques. Trois protagonistes sont au cœur du film : Kathy (Carey Mulligan) qui nous narre la chronique des événements passés et ses deux amis de toujours, Tommy (Andrew Garfield) et Ruth (Kiera Knightley).

L’entame, à la fois habile et mystérieuse, et nous immerge dans un univers où le temps semble s’être arrêté. Nous partageons le quotidien de ces trois pensionnaires et de leurs congénères élevés dans la plus pure tradition britannique au sein d’une institution de renom. Un espace où les coutumes, les savoirs faire séculaires permettent de façonner les esprits tout en respectant le bien être moral et la santé de jeunes pouces. Le tableau est idyllique.

Le spectateur est touché par les jeux puérils, les babillages et les amourettes de protagonistes innocents et plein de grâce.

Mais soudain ce miroir aux alouettes se fissure et nous laisse entrevoir la terrible et tragique vérité.

Le cadre est en fait une Angleterre "parallèle" dans laquelle ces jeunes gens grandissent jusqu‘à un certain âge mais ne sont destinés à vivre vieux. Leur sort est réglé depuis des lustres. Leurs organes vitaux sont prélevés en plusieurs fois et il est très rare qu’un adulte survive après son troisième "don".

"Never Let Me Go" peut se voir aussi comme un vaste questionnement sur le don de soi, une interrogation sur le sens de la vie. L’œuvre nous heurte, nous émeut. Le tragique de la situation réduit à néant l’optimisme béat qui sommeille au plus profond de nous. L’altérité de ce monde nous choque profondément.

L’autre élément qui touche notre sens commun est la résignation qui habite les personnages. Parce qu’ils ont été élevés pour ça, l’idée de remettre en cause le système ne leur vient même pas à l’esprit. Le concept de fuite est une aberration. Habilement le long métrage met en jeu des valeurs telle que la destinée et l’inéluctabilité d’une situation.

Dans sa globalité le film s’appréhende comme une sorte de chronique philosophique d’un monde pas si éloigné du notre. Nos peurs, nos propres interrogations, nos angoisses trouvent un formidable écho dans "Never Let Me Go".

Dans "Never Let Me Go" le rythme est très lent. Un tempo qui permet aux situations de s’installer avec quiétude. De manière posée nous faisons connaissance avec des protagonistes (enfants puis adultes) qui se révèlent être attachants au plus haut point.

Des êtres qui forment un triangle où amour et amitié rivalisent constamment. Les liens tissés depuis l’enfance se révèlent finalement plus forts que tout.

Mais leur avenir est scellé. L’amour est mort né.

Toutefois une certaine soif de vivre anime Kathy, Tommy et Ruth. Un besoin d’exister sur le moment et surtout de ne pas se projeter dans le futur. Une instantanéité qui apporte au spectateur un certain réconfort très vite tempéré, voire carrément altéré au final, par l'inexorabilité du sort qui les attend.

Mark Romanek a choisi de de filmer d'une manière épurée du moindre artifice. Son travail est mis en valeur par une photographie d’une beauté phénoménale.

Le cadre spatio-temporel bucolique nous ramène à l’Angleterre des années 50-60. Les lieux d’étude, les cottages, les stations balnéaires nous sont familiers. Le metteur en scène a su créer une sorte de bulle réconfortante qui nimbe les héros du film. Le contraste avec le destin de ces jeunes gens est plus que saisissant.   

La trame narrative dramatique, empreinte de science fiction, laisse les personnages s’exprimer et surtout exister un temps il est vrai relativement court.

Le long métrage permet aux instants touchants de se faire jour. Des émotions à fleur de peau qui impriment leurs marques ça et là. "Never Let Me Go"est très émouvant. Les larmes ne sont jamais bien loin.

Kieira Knightley apparaît ici à son avantage. Sa composition est pleine de retenue et de sobriété. Andrew Garfield incarne un adolescent plein de contradictions et de rage avec juste ce qu’il faut pour retenir notre attention.

Toutefois c’est la prestation de Carey Mulligan qui emporte l’ensemble des suffrages. La jeune femme, à la beauté si particulière, entichée d’une sorte de sourire triste en coin tout au long du film, étonne par la qualité et la justesse de son jeu.

"Never Let Me Go" est un long métrage d’une tristesse abyssale qui ne vous donnera pas la pêche. Une œuvre qui pose beaucoup de questions mais qui apportent peu de réponses (qui est responsable de ce système de dons ?).

Mais le film comblera les cinéphiles grâce à l’élégance de sa mise en scène, la force des personnages et la teneur du propos.

Un film qui met en avant la résignation des protagonistes et qui tente de provoquer une réaction de nos consciences.

C’est tellement rare dans le 7^ème art.

Cela quelque temps déjà que je suis fâché avec les frères Coen. On appelle cela une histoire de rendez vous manqués mais leurs derniers longs métrages m’ont quelque peu laissé sur le bas côté.

Et récemment j’ai pris "True Grit" en pleine tronche.

Le western est un genre cinématographique qui ne tolère pas les demies mesures et les films fadasses. "True Grit" est du meilleur bois. Une réussite incontestable.

A la base il y a le roman de Charles Portis déjà adapté en 1969 sous le titre "Cent dollars pour un shérif" avec LA légende de l’ouest, John Wayne.

Le nouveau film des frangins ne ressemble à aucune autre œuvre de sa catégorie. "True Grit" nous fait vite vibrer pendant deux heures avec une histoire simple et une esthétique d’une pureté incroyable.

"True Grit" est un film plein de vie et de fougue.

Le film est avant tout basé sur une histoire dense et prenante. Les frères Coen sont passés maîtres dans l’art de nous exposer des tranches de vie hors du commun.

L’impression première est souvent qu’il ne se passe pas grand-chose dans leurs films, au regard de certains sacro-saints critères, mais en allant au-delà de ce sentiment immédiat, on se rend compte que les deux réalisateurs nous plongent au beau milieu d’univers où les compromis ne sont pas à l’ordre du jour. Ces deux là ont l’art et la manière de nous emmener là où ils le souhaitent.

La vengeance, impitoyable et froide, se retrouve au centre de "True Grit".

Le destin de la jeune Mattie Ross (Hailee Steinfeld) bascule quand son père est assassiné brutalement par Tom Chaney (Josh Brolin).

Armé de son seul courage et d’une détermination sans bornes, l’adolescente, à peine sortie de l’innocence de ses jeunes années, fait appel aux services du marshall Rooster Cogburn (Jeff Bridges) pour traquer l’assassin de son paternel. En chemin le Texas Ranger Laboeuf (Matt Damon) rejoint l’improbable duo.

"True Grit" est un film qui prend aux tripes car le propos est intense. La thématique est universelle. A partir d’un fait divers tragique, les bases de l’intrigue sont posées en quelques minutes. Le spectateur est confronté à l’essentiel car les Coen ne tournent pas autour du pot. En substance "True Grit" se limite à un forfait, un châtiment.

Nous plongeons avec bonheur dans une ambiance de cinéma extrêmement réaliste. Le panorama nous en met plein les yeux.

Nous sentons le soleil nous brûler la peau et la poussière nous coller à la peau. L’Ouest, le vrai, le vaste, s'anime sous nos yeux. Nous galopons cheveux au vent aux côtés des protagonistes, au beau milieu d’étendues et de paysages à la beauté renversante.

Dans sa forme le long métrage rend un hommage appuyé aux héros légendaires de l’Ouest et aux westerns marquants du 7^ème art. Nous avons le droit à notre lot de chevauchées, de fusillades filmées dans les règles de l’art. Le montage met en exergue ces temps forts si importants.

"True Grit" trace aussi sa propre voie avec une facilité déconcertante. Les frères Coen ont pris ce qu’il y avait de meilleur dans le western et l’ont confronté à leur monde si particulier.

"True Grit" est avant tout une œuvre où des personnages hors du commun d’entrechoquent. Des protagonistes entiers, originaux, des tronches que le spectateur n’oublie pas si facilement.

En quelques coups de pinceau si j’ose dire ces derniers émergent de la toile.

L’une des forces du cinéma des frères Coen est l’importance accordée aux mots. "True Grit" ne déroge par à la règle. Les dialogues sont truculents, enlevés. Les échanges entre Mattie Ross et le Marshall Cogburn nous font sourire et nous attendrissent.

Des échanges où l’ironie et l’humour tiennent une place prépondérante. Les frères Coen nous ont habitué par le passé à des réparties, des saillies finement ciselées. Les dialogues entre le fier Texas Ranger Labeouf et le Marshall Cogburn sont l’occasion d’instants inoubliables où les sous entendus sont légions.

Le personnage de Mattie Ross est la clé de voûte du film. Sa présence permet aux deux cinéastes d’insuffler une dose nécessaire d’émotion pure. Malgré sa détermination et sa résolution, Mattie Ross reste une enfant dans ce monde de crasse et de brutes épaisses. La fragilité de ses sentiments, la douleur qui l’anime impriment leur marque sur l’auditoire. L’art des deux cinéastes réside dans la manière de mettre en relief la vérité des sentiments sans tomber dans le pathos gratuit.

Jeff Bridges est comme à son habitude d’une classe folle, d’un professionnalisme de tous les instants. Son interprétation de Rooster Cogburn est pleine d'entrain.

Matt Damon fait son entrée de manière éclatante dans l’univers des Coen. Il campe un Texas Ranger mémorable.

Mais la jeune Hailee Steinfeld est LA très grande révélation du long métrage. Sans coup férir elle vole indiscutablement la vedette à ses aînés. Son jeu est mature, assuré, déterminé. Et son visage passe parfaitement à l’écran. L’avenir nous dira si son chemin sera ou non pavé d’or mais Hailee Steinfeld illumine "True Grit" de sa présence.

"True Grit" rappelle aux spectateurs l’importance du western dans le cinéma contemporain. Je suis comme beaucoup de mes camarades amoureux de ces longs métrages où les intrigues sont tranchées dans le vif à coup de flingues. Ces atmosphères où le sans foi ni loi règnent sont assurément l’un des piliers du 7^ème art.

Dommage que le cinéma oublie parfois ses fondamentaux.

Merci aux frères Coen pour cette brillante piqûre de rappel. 

J’ai un terrible aveu à vous faire : jusqu’à ce jour je n’avais jamais vu aucun long métrage de Darren Aronofsky. 

La première bande annonce de "Black Swan" fut une véritable révélation. Une campagne promotionnelle d’une qualité exceptionnelle (des affiches rétro au design renversant) a aiguisé mon appétit de cinéphile. Une évidence s’est alors imposée tout naturellement à votre serviteur : "Black Swan" était un film pour moi.

Force est de reconnaître que "Black Swan" peut prétendre légitimement au titre de "Film de l’année" tant il brille au firmament du 7^ème art.

"Black Swan" est une œuvre éblouissante, intemporelle, irréelle parfois, inclassable. Un véritable choc visuel. Darren Aronofsky peut désormais se targuer d’avoir mis en scène un film culte, une référence dont les cinéphiles parleront encore dans un quart de siècle.

"Black Swan" est à la fois un thriller psychologique d’une rare intensité, un drame profond et le récit d’une descente aux enfers quasiment unique dans l’histoire du cinéma.

La danse classique comme thématique principale est traitée avec tout le sérieux qui s’impose. Le metteur en scène ne se contente pas d’effleurer la surface des choses et prend son sujet à bras le corps.

L’ensemble du film résonne aussi comme un vibrant hommage à celles et ceux qui sacrifient tout à leur art. Amis, famille, plaisirs doivent s’incliner devant la grâce du ballet et la beauté des corps dans l’effort.

Je suis un néophyte en danse classique et en ballets (même si je connais les plus grandes œuvres). L’un des atouts de "Black Swan" est son cachet d’authenticité. La manière de cadrer, le travail des comédiens font gagner au long métrage l’épreuve de la crédibilité.

On y croit. 

Nous entrons pleinement dans l’univers et les coulisses  du New York City ballet. Le spectateur découvre une vie de dévouement à la danse, une succession de privations, une accumulation de douleurs physiques et morales jusqu'à la limite du supportable et parfois au-delà, un quotidien où les mêmes gestes sont répétés inlassablement jusqu’à la perfection.

La perfection est justement l’objectif que vise la ballerine Nina (Natalie Portman). Après des années de souffrance quotidienne et de labeur ininterrompu, son implication est reconnue par le metteur en scène Thomas Leroy (Vincent Cassel) qui la choisit comme Reine des Cygnes dans le ballet de Tchaïkovski "Le Lac des Cygnes" alors que l’ancienne danseuse étoile, Beth MacIntyre (Winona Ryder), se voit remerciée.   

Mais la présence d'une nouvelle danseuse dans la troupe, l’énigmatique Lily (Mila Kunis), vient troubler le jeu. Nina doit aussi composer avec Erica (Barbara Hershey), sa mère possessive.

 "Black Swan" captive son auditoire. Pas moyen de s’en défaire. Le sujet nous prend aux tripes. Nous sombrons en même temps que le principal personnage dans un abîme de doutes et d’incertitudes.

Darren Aronofsky nous visse à nos fauteuils avec une trame narrative originale, enlevée, magnétique.

Le scénario est d’une précision chirurgicale et d’une finesse de tous les instants. La réalité et les fantasmes sont constamment mélangés. Le point de vue de Nina est forcément tronqué. Ses craintes, sa soif de perfection et sa quête de réussite coûte que coûte précipitent son basculement dans la folie.

 "Black Swan" est une suite de duos entre Nina et les autres protagonistes. Des intrigues secondaires qui se chevauchent, s’opposent, se répondent dans lesquelles le sexe et la séduction tiennent une place de choix. 

Nina a une relation singulière et inquiétante avec sa mère. La jeune femme a 25 ans vit toujours dans sa chambre d’enfant (au décors bien infantile) et subit les remarques inquisitrices de sa génitrice.

La ballerine et l’énigmatique et tyrannique metteur en scène ont des liens basés à la fois sur l’attirance et sur la répulsion. Une sorte de lien organique existe entre les deux entités.

L’une des clés de lecture essentielle du film réside dans l’existence du couple Nina/ Lily à l’écran. La troublante rivale a-t-elle oui ou non une existence avérée ?

La présence de Beth MacIntyre, gloire déchue, présente un double intérêt pour Nina. L’ancienne danseuse étoile symbolise la perfection à atteindre mais sonne aussi comme un cruel rappel à la réalité. Au sommet un jour, aux enfers le lendemain.

Au centre de "Black Swan" se trouve la schizophrénie de Nina. La jeune ballerine est condamnée à réussir ou à périr. L’enjeu est posé dès les premières minutes du film. Le spectateur se rend compte que la chute sera forcément brutale car l’héroïne se retrouve prise au piège dans une voie sans issue.

Sa volonté de réussir et de toucher du doigt la perfection de la danse l’amène  à mettre en péril son équilibre personnel. 

Constamment le spectateur se demande si les perceptions de Nina relèvent ou non de son imagination.

Le dénouement final lève en partie nos doutes et nous donne surtout envie de revoir le film, histoire de démêler le vrai du faux. 

Le parti pris du metteur en scène est de privilégier le point de vue de son héroïne et de laisser le public se débrouiller avec le contenu livré sans clefs de lecture. La démarche et le niveau d’exigence sont élevés mais expliquent en grande partie la réussite de "Black Swan". 

Les transformations et blessures physiques, l’apparition de personnages dédoublés ici ou là, la traversée de lieux quasi dépeuplés, l’enfermement de Nina dans une relation égocentrique et passionnée avec son art traduisent l’état de solitude mentale qui anime une ballerine à la recherche de son Saint Graal.

Darren Aronofsky nous manipule constamment. "Black Swan" mélange allégrement éléments tangibles et hallucinations jusqu’à l’étourdissement. Une véritable immersion cauchemardesque qui surprend et égratigne l’auditoire.

Le choc ressenti n’en est que plus fort pour Nina et pour nous. Jamais une quête obsessionnelle n’avait été filmée avec autant de brutalité et de passion.

Le réalisateur ne lésine pas sur les effets de mise en scène pour nous surprendre au détour de moments ordinaires de la vie de cette femme troublée. Une perte de repères progressive voulue et parfaitement maîtrisée. Le jeu infernal est à la limite de la perversité.

"Black Swan" peut aussi se résumer à l’éternelle lutte entre le bien et le mal. Nina est un adorable Cygne blanc symbole d’innocence et de pureté. Cependant dans "Le Lac des Cygnes" l’animal est double. Le Cygne Noir incarne le mal et la corruption. Pour Nina, la recherche de la perfection l’oblige à passer de l’autre côté du miroir. Son âme est souillée par l’existence de cette dualité avilissante, son corps se métamorphose.

Blanc et Noir, Bien et Mal, réalité et hallucinations constituent bien l’ossature de l’œuvre.

Tous ces éléments convergent et se combinent dans un final endiablé. Nina danse enfin "Le Lac des Cygnes". La jeune femme est au sommet de son art, au centre de toutes les attentions et pourtant son funeste destin est déjà tout tracé.

La conclusion, tant redoutée, est brutale. Des ultimes minutes qui prennent l’apparence d’un pur moment de cinéma. Nina danse divinement bien mais perd totalement pied avec la réalité.

Puisque nous évoluons au royaume du ballet la musique tient forcément une place prépondérante et incontournable. Le travail de Clint Mansell est admirable. Le mélange des sonorités classiques et d’accents plus modernes sied à "Black Swan". Les notes traduisent l’opposition de sensations pures, d'instincts primaires.

Mila Kunis est plus que convaincante, Barbara Hershey se rappelle à nos bons souvenirs en mère possessive, Winona Ryder brille l’espace de deux scènes, Vincent Cassel interprète son personnage avec classe mais que serait "Black Swan" sans son Cygne (qu’il soit blanc ou noir d’ailleurs) ?

Pas grand-chose en fait.

Natalie Portman porte le long métrage sur ses frêles épaules. Sa prestation est unique, originale, hallucinante de vérité. De la justesse à chaque seconde en danseuse de haut niveau. Sa présence permanente, liée au point de vue choisi, fait qu’elle dévore littéralement l’écran. Rarement une actrice n’avait autant brillée. Exceptionnel.

"Black Swan" vous touchera forcément malgré son économie de véritables sentiments et d’émotions à fleur de peau. Darren Aronofsky a mis en scène une œuvre d’une force dévastatrice.

Le long métrage est symbolique à plus d'un titre et représente dans l'absolu une sorte voyage initiatique jusqu'aux frontières de la douleur physique.

Si vous devez assister à la projection d’un seul long métrage cette année, faites de "Black Swan" votre priorité absolue.

Une salle de cinéma devrait forcément se trouver à un battement d’ailes de votre domicile.